Carlos Nogueira

Muito bem instaladas e espaçadas de largas pausas de branco, no andar da fundação, estão as várias formas de trato das coisas dadas por Carlos Nogueira. A forma que me pareceu mais exacta para tentar traduzir, no esforço de nomear o que penso ser aquilo, foi a metáfora musical do concretismo. Mas é um concretismo de metais, madeiras e percussão em que, se por um lado se exibe a materialidade do timbre, uma qualidade sonora, por outro existe uma articulação metafórica e que nos conduz a um processo lasso de significação. O trabalho de Carlos Nogueira costuma ser extremamente atento ao que existe, mas a marca do que propõe é frequentemente a da fuga para um tempo de contemplação. Neste aspecto parece partilhar da inclinação metafísica existente na obra de Turrel, Smithson e dos minimalistas, concorrendo nesta inclinação com alguns outros nomes da sua geração. Aqui, porém, não existindo um exterior referencial, são os objectos entre si, multiformes e diversos, que se auto-referenciam. Na ligação fisicamente marcada pelo espaço musicado de distâncias e em medida contrária, na proximidade sensível das formas de ser, constrói-se um percurso denso com centros e aspersões periféricas. Os materiais são essenciais, as cores vão do negro pelos pardos e cinza á omnipresente reflexão do branco nos espelhos e vidros. O verde-água presente e significante, reforça a metáfora de lago, ou túmulo de água, simultaneamente porta.

Fundação Carmona e Costa - Até 31 de Janeiro.

Zombie Polaroid

Um grupo de alucinados adquiriu toda a cangalhada da Polaroid em Enschede na Holanda e quer voltar a produzir o clássico cartucho de fotografia instantânea para as máquinas que ainda não deitámos fora. Chamam-se Impossible Project e precisam de ajuda. Se houver por aí algum banqueiro ainda desafogado de dívidas e com uma inclinação para as boas acções então vá a esta página.

Tradução Centro-Periferia

Ilya Kabakov - Münster 1997

Um pequeno ensaio sobre Design e política, bem construído, que vale a pena ler no blogue The Ressabiator por Mário Moura, autor do recente e infelizmente esgotado Design em Tempo de Crise.

O ensaio utiliza o modelo de análise pós-colonial, não como habitualmente se faz, aplicado ao mundo subdesenvolvido, mas à própria paisagem urbana portuguesa. Moura justifica esse uso pela auto-representação da natureza periférica deste território e adianta; “Ao longo deste texto, procurou estabelecer-se o esboço de um modelo alternativo para uma teoria crítica do design em Portugal, fortemente inspirado na Teoria Pós-Colonial. A aplicação desta área de estudos ao design português pode parecer inusitada” - Não constitui para nós uma surpresa a utilização do modelo crítico pós-colonial aplicado ao design. Faz aliás, muito mais sentido do que a sua ligação às artes plásticas, dadas todas as incidências políticas e sociais que possui a pratica do designer (arquitectos incluídos) no quotidiano. Nas artes todo o discurso mantêm-se sempre rigorosamente dentro dos parêntesis do mundo da arte.

O artigo desenvolve então uma crítica aos modos de tradução dos modelos de vanguarda ou teóricos (centro) quando aplicados a um contexto local de clientelas, hábitos adquiridos, morfologia e clima (periferia) e é este o tema central do ensaio. Observando os exemplos portuenses da arquitectura de Siza e Souto Moura confrontados com a casa da música de Koolhaas e um exemplo de design gráfico, Mário Moura conclui a defender uma prática do design a intervir sobre o local, incidindo a sua atenção crítica, mediante a compreensão da dialéctica centro-periferia. Esta critica centrar-se-à sobre o acto de tradução ou adaptação dos objectos oriundos de um "centro", de modo a que possa essa inserção constituir um choque clarificador e por isso socialmente progressivo. A atitude a tomar pelo designer será então, contra a prática corrente de ocultação, a de reproduzir localmente os “embates” entre centro e periferia. A chamada à participação das populações periféricas neste debate ficaria assim assegurada.

A ideia entusiasma - e fá-lo justamente por ser mais uma chamada à intervenção de uma classe profissional de enorme responsabilidade política e que tem andado longe de estar à altura do desafio. Entusiasma tambem por devolver à deambulação pública o hábito do projectado. Por outro lado esta ideia de choque faz-me lembrar o centro de uma cidade como Hanôver, destruída a 80% e onde se construiu na aplicação de modelos contrapostos. Este processo tem um lado visualmente problemático e esse é um problema das cidades alemãs. Roterdão, a cidade de Koolhaas é outro exemplo. Claro que aqui não houve periferia; apenas a urgência do wiederaufbau (reconstrução).

Sabendo que MM não se refere a este tipo de arquitectura, recordo aqui, no entanto e pensando na casa da música, um artigo de Hal Foster sobre aquilo a que chamava billboard architecture a propósito de Frank Ghery. Referia-se ao chamado efeito Guggenheim e sobre um certo tipo de arquitectura para ser vista mais do que percorrida e que funciona como uma mais valia turística numa cidade enegrecida pelas industrias pesadas ao longo do rio que a atravessa. "Thirty years ago Guy Debord defined spectacle as ‘capital accumulated to such a degree that it becomes an image’. With Gehry and other architects the reverse is now true as well: spectacle is an image accumulated to such a degree that it becomes capital." (Foster)

Terre Natale

Visitei a por aqui tão anunciada exposição: Terre Natale - ailluers commence ici de Raymond Depardon e Paul Virilio na Fondation Cartier pour l'art contemporain, Paris. Terre Natale propõe uma reflexão sobre as noções de enraizamento, desenraizamento e identidade e é uma exposição/diálogo entre o cineasta e fotógrafo Raymond Depardon e o urbanista e filósofo Paul Virilio.

O trabalho de Depardon aliando poética e política explora frequentemente o universo rural dando muitas vezes voz aos camponeses (como no filme La vie Moderne - presença no festival de Cannes 2008). Paul Virilio através dos seus escritos procura reflectir sobre as noções de velocidade, êxodo, fim de espaço geográfico, distância, poluição.

O 1º piso da Fundação ficou a cargo de Depardon e o sub-solo a Virilio. Na grande sala do 1º piso, Raymond Depardon apresenta uma enorme projecção do video : Donner la parole. Depardon viajou pelo Chile, Etiópia, Bolívia, França, Brasil para se encontrar com nómadas, agricultores, ilhéus, indígenas, pessoas que vivem á margem da globalização ameaçadas pela extinção do seu próprio povo. No filme ouvimo-las falar, nas suas linguas maternas, declarando a angústia e medos face á sua existência. Como confronto a este video na sala mais pequena (mas mesmo assim enorme), Depardon exibe em 2 ecrãs o filme Tour du Monde en 14 jours, filme jornal sem som de imagens belíssimas recolhidas numa viagem solitária pelo mundo em 14 dias (Washington, Los Angeles, Honolulu, Toquio, Ho Chi Minh, Singapura, Cidade do Cabo). Mas este mundo que Depardon agora filma é o mundo globalizado, é o seu mundo, é o meu mundo (estou aqui a escrever na internet), é um mundo feito de imagens que nos parecem tão familiares. É, de facto assustador, a homogeneidade nestas imagens, a rapariga de cabelo esticado que atravessa a rua de Singapura a falar ao telemóvel é idêntica á outra que em Los Angeles está parada no sinal, mas desta vez dentro do carro. Pareceu-me interessante este confronto, um dos filmes ter som (e precisamente ouvirmos relatos do que desconhecemos) e o outro não ter som mas ter 2 ecrãs (a multiplicidade, a velocidade, a dispersão que a "cidade" provoca).

No sub-solo Paul Virilio, com a ajuda de uma vasta equipa de artistas e arquitectos americanos, desenha a 2ª parte da exposição. Para além de um video de Virilio, o próprio, a dar as boas vindas e a fazer uma introdução, a grande sala do sub-solo acolhe uma régie de monitores video suspensos no tecto que difunde imagens de arquivo, documentários e fotografias sobre migrações globais. Na sala mais pequena assistimos quase que a uma palestra interactiva; onde através de uma instalação video totamente high tech podemos ir lendo gráficos, tabelas, mapas sofisticados que nos vão anunciando previsões assustadoras muito ao jeito da Verdade Inconveniente de Al Gore, na minha opinião. Os dados analisados vão desde: densidade populacional, migrações para zonas urbanas, trajectos feitos por emigrantes forçados (refugiados), desastres naturais, níveis da água do mar ...

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Saio confusa da exposição, não pelas profecias apocalípticas para esta sociedade tecnocrata anunciadas por Virilio, mas por este modelo de exposição. Tento perceber se faz sentido a forma como o pensamento de Virilio foi materializado naquele dispositivo didático. Penso na quantidade de videos e monitores utilizados. E pergunto-me também se isto será uma exposição de Arte ... acho que não ... mas se calhar nem é suposto ser.

Galeristas Curadores

Miguel Branco

Entre Chien et Loup é o nome da exposição presente até 7 de Março na galeria Caroline Pagès, por iniciativa da própria galerista e de Miguel Branco. A4 É o nome da colectiva que Rui Brito apresenta na galeria 111 até 21 de Fevereiro. Ambas mostram quatro artistas e maioritariamente “pintura”.

A galeria Caroline Pagès é modesta situada num apartamento em Campo de Ourique e sem muito espaço. A exposição no entanto surpreende: O título refere-se a uma expressão coloquial em francês do género de “de noite todos os gatos são pardos” mas desta feita aplicada ao crepúsculo. A transitoriedade proposta pelo título na diferença entre dois animais sente-se de facto no espaço aberto, não apenas entre formas expressivas, mas entre os temperamentos extremos presentes, o que permite ao espectador de efectuar múltiplos jogos de leitura. Formas diversas de simbolismo são de resto a marca que une os trabalhos.

Miguel Branco (1963) apresenta-nos uma série de pequenas pinturas, do tipo a que nos tem habituado desde há muito. Um pequeno cão parece saído do lado do malogrado Carlos I pintado por Van Dyck para preparar um salto para os colos de todas essas senhoras que faziam a clientela de Reynolds, Lawrence, Raeburn e outros. Há algo na pintura de MB que a afasta do simples exercício à maneira deste ou daquele. Com uso destes “quase nada” ou extras, constrói um universo entre a pintura que foi e a que poderá ser: um limbo ou uma ante-câmara. Uma inquietante pequena carcaça de morcego realiza uma passagem inteligente para uma obra distantíssima da sua; de Manuel Ocampo (1965), o grande nome da exposição, podemos ver uma dúzia de desenhos entre as masmorras e a necrofagia. Numa sala isolada estão três telas de Rudolfo Bispo (1981) que não surpreendem mas cuja ironia expressa o coloca como elemento de ligação interna entre os três discursos mais pesados. A exposição ganha leveza por aqui.

A grande surpresa da exposição é a produção gráfica do jovem licantropo francês Jean-Xavier Renaud (1977). Completamente trash trabalhando sobre papel utiliza as mais variadas estratégias, materiais e sensibilidades gráficas; ora mais ilustrativo e transparente ora selvático, próximo da tradição CoBrA. Um gozo iconoclasta pelo absurdo é a marca dominante do seu trabalho. A peça central do dispositivo é um enorme e sádico caçador a visar sabe-se lá que adorável roedor no meio da relva.

A exposição A4 na galeria 111 nada traz de surpreendente ou extraordinário com os trabalhos da autoria de Ana Vidigal, Francisco Vidal, Rigo e Fátima Mendonça. A relação entre os quatro autores nada revela para além das suas diferenças. Apesar das intenções curatoriais que o galerista exprime na press release, o exposto parece corresponder mais a intenções comerciais do que a qualquer propósito temático ou outro. Então porquê falar-se em curadoria? A dúvida fica. É uma excelente ideia as galerias utilizarem os seus próprios recursos para fazer mais do que bons negócios. A pequena galeria de Campo de Ourique teve de recorrer a autores exteriores para conseguir transmitir uma ideia. A 111 tem imensos recursos internos a esse nível, com os quarenta anos de história que tem. Tem artistas excelentes e uma responsabilidade a manter. Teria de ter feito muito mais e mesmo sem um grande esforço, isto se quisermos levar a sério as intenções curatoriais do seu galerista. Aquilo que acabaria por não ser muito mais que uma accrochage a quatro, acaba por se notabilizar negativamente por se ensaiar ser mais do que isso.

poppe

"Um infinito ao espelho com a luz a meditar na água.”
Poppe pneumo-poeta feito de matéria sensacional, nesta madrugada na ZDB, em recital-gravação sobre A Pequena Imagem.

Pollock e os Índios

Indio Navajo com Máscara

« A partir du 15 octobre 2008, la Pinacothèque de Paris présente, pour la première fois à Paris depuis 26 ans, un ensemble exceptionnel d'oeuvres du peintre expressionniste abstrait Jackson Pollock inspiré par le chamanisme amérindien. »

A exposição tem um enfoque maioritário sobre a génese surrealista do jovem Pollock (justapõe-se a Masson) e esforça-se por demonstrar a relação da sua pintura com as práticas dos índios Navajo. No blogue Lunettes Rouges critica-se a exposição no modo como se cola demasiado a essa hipótese. Ao confrontarmo-nos com pintura como a de JP não podemos levar qualquer referência extra-pictórica como "a" determinante num processo que acabaria por se tornar a força visual e icónica no seu período mais conhecido, o do dripping. De uma colagem inicial a um surrealismo esventrado o modo de se fazer pintura alimentou-se sobretudo de uma forma de ser corpo, temperamento. Mas as referências culturais, neste caso "tribais" actuaram também. A influência xamanista pode ler-se tanto ou nível do visceral representado mas também ao nível do abandono ébrio contido no seu temperamento e que se emulava no acto de pintar, transmitido e experimentável por nós, tanto na sua obra mais figurativa, pela violência do gesto, como na “dança” que parecia executar sobe as suas últimas arenas. De qualquer modo afigura-se por vezes como um verdadeiro petisco para o analista a rápida ligação do artista ao transcendente ou ao enactment dessa relação como sacerdote, o keeper of secrets. A realidade é técnica; a pintura para o pintor é um lugar imediato de construção e permanente avaliação onde os critérios pouco ou nada têm a ver com a religião. Eventualmente, para compormos o outro lado do conto pode-se admitir o surgir da fantasia própria da contemplação narcísica do autor perante a sua obra, o lugar por onde todas as relações se realizam. Para ter a certeza sobre se a coisa é assim ou assado, nada como enfiar-se num Sud Express até 15 de Fevereiro e allez hop!

KLAT

Hoje decidi visitar galerias, tinha algumas moradas assinaladas no mapa e era preciso apenas encontrá-las. Vi coisas bastante desinteressantes (e galerias são sempre galerias, mesmo aqui em Paris) até entrar numa que desconhecia mas onde acabei por me deixar surpreender.

Muito embora trabalhem juntos há já 15 anos esta é apenas a 2ª exposição em galeria do colectivo de 5 artistas suiços KLAT. Este colectivo optou sempre por apresentar o seu trabalho em espaços públicos (museus municipais, espaços culturais alternativos). A peça exposta é realmente intrigante e a experiência de estar neste espaço fica-nos na memória o dia inteiro. Numa sala escura e cheia de vapor, encontramos acesas 6 velas coloridas de grandes dimensões que mimetizam gestos simbólicos que fazemos com as nossas mãos. Estas esculturas que se vão desfazendo estão acentes em construções de diferentes alturas feitas com tijolos. Na altura, perante o meu desconhecimento em relação ao trabalho deste colectivo e há falta de informação que a folha de sala fornecia relativamente a esta peça, deixei-me ficar a olhar para este corpo estranho, seduzida pela sua estranheza. Fiz os meus jogos mentais acertados ou não, mas a experiência de fruição ficou. E não será isso que muitas vezes falta?

"... By building houses and spaces in witch to work, think, rest and party, Klat has managed to make the scene French-speaking Switzerland a fun, open, clever space inhabitable by all." Fabrice Stroun

KLAT
Ex caligine, nova insigna : anaphoros Gegenschein
Curated by:Fabrice Stroun
Galerie Laurent Godin
5 rue du Grenier Saint-Lazare75003 Paris

Coosje van Bruggen

Coosje van Bruggen, Sculptor, Dies at 66

Coosje van Bruggen, a critic, art historian and artist known for the colorful public sculptures she created around the world with her husband, the Pop artist Claes Oldenburg, died on Saturday in Los Angeles. She was 66 and had homes in New York and Beaumont-sur-Dême in the Loire Valley, France. (New York Times)

Vestígio

Ana Anacleto

No Pavilhão 28 do Hospital Júlio de Matos, em Lisboa, está a decorrer uma exposição colectiva arregimentada por Carlos Noronha Feio e Romeu Gonçalves, ambos artistas. Parece ser o problema maior deste evento a ausência de programa, ou pelo menos a dificuldade de o compreender. O título “Vestígio” é mais um daqueles lugares comuns, uma palavra elástica nas suas relações infindas possíveis com o universo artístico. Sob a palavra “Vestígio” caberia toda a produção fotográfica e qualquer limiar inicial do desenho, numa primeira volta. A sua escolha, que desconhecemos se precedeu ou sucedeu à escolha dos artistas, parece de qualquer modo proceder a um adiamento de uma decisão que deveria ditar-se por relevante. Não o faz e naturalmente a resposta dos artistas representados demonstra-o. Alguns, como sucede com Carlos Correia, enfrentam o título de modo bastante (talvez excessivamente) objectivo, mas no geral, a colagem entre trabalhos e o mote da exposição, devido à natureza do último, é automática.

O “catálogo” tem as folhas em branco. É uma surpresa mas que logo a seguir se torna em mais um factor de contribuição para a sensação de injustificação geral do projecto. Se este caderno em branco tivesse sido escolhido para a actual exposição “Colectiva” patente no quarto andar do 211 da Avenida da Liberdade em torno de Pedro Morais, não seria estranho, mas neste lugar perante o que se verifica, parece mais um acto de retórica isolada. Não se crê que se trate de uma auto-ironia sobre essa mesma ausência de programa.

A exposição é um acto de rotina; não talvez para os seus organizadores, mas é de certeza na perspectiva alargada do estado de produção cultural em Portugal e isso sente-se no modo desinteressado e desinteressante como alguns dos autores presentes participaram na colectiva (veja-se o caso de Gabriel Abrantes). O facto de se escrever aqui sobre a exposição tem a ver apenas com o facto de se ter entendido como mais um exemplar de muitas outras “colectivas” que se vão sucedendo sob nomes mais ou menos pomposos mas todos eles muito abrangentes. O Romeu Gonçalves e o Carlos Noronha Feio não são “curadores profissionais” e tal facto minora toda a questão ética de faltas de actualidade patentes na mostra, mas tal não inviabiliza a necessidade de se ir estabelecendo uma crítica sobre os programas intelectuais servidos sob a forma de prato do dia.

São os autores representados os seguintes: Ana Anacleto, Ana Fonseca, Ângelo Ferreira de Sousa, Carla Cruz, Carlos Correia, Carlos Noronha Feio, Cecília Costa, Gabriel Abrantes, João Leonardo, Mara Castilho, Maria Condado, Marta Moura, Mikael Larsson, Paulo Brighenti, Romeu Gonçalves, Samuel Rama, Valter Barros. A qualidade dos trabalhos expostos, independentemente de tudo o resto e comparando com exposições anteriores no mesmo local, não sendo negativa, corresponde no conjunto à falta de ambição curatorial que os integrou.

Crítica (1)

Este blogue nasceu de conversas entre alguns de nós desagradados com alguma da crítica de arte que se vai escrevendo nas revistas e suplementos habituais da especialidade. Este desagrado manifesta-se sobretudo sobre dois aspectos: o primeiro reporta-se ao exíguo espaço crítico e artístico português, ao limitado número de intervenientes e por consequência à impossibilidade da alternativa. O segundo aspecto é qualitativo e tem a ver com o conteúdo de muita da crítica que se vai fazendo. A criação deste espaço propõe-se no que diz respeito a alguns de nós, a enfrentar estes dois problemas. Como? Na resposta a isto define-se este projecto. Desde já afirma-se que esta resposta não pode estar contida unicamente num texto inicial. A forma de abordagem deste espaço aos eventos “culturais” que vão sucedendo com regularidade em Lisboa e no Porto será definida nas linhas e estilos próprios trilhados por todos aqueles que aqui intervierem; só e apenas deste modo. Este texto pretende dar apenas um movimento inicial a todo o processo e servir de palco a algumas reflexões pessoais sobre crítica.

Começo pela crítica. Perante um fenómeno que se configura em proposta como o são a maioria das exposições que visitamos como nos poderemos situar? O que poderemos ser? Duas situações normalmente ocorrem na escrita sobre determinado evento: a descrição e a posterior valoração. Ultimamente tem-se mesmo optado por dar valores em “estrelinhas” às exposições nos suplementos mais importantes consagrados à “cultura”. É importante como medida económica, redutora e simplificadora mas infelizmente ineficaz para satisfazer uma mínima exigência de qualidade intelectual. Esta valoração deve estar contida no texto; no modo como este evolui motivado pelo fenómeno ou evento em foco. A simples descrição das exposições que frequentemente ocorre nada mais faz do que embalar a ausência de aventura escrita em direcção ao momento redentor da valoração numérica. Outro aspecto enervante é a por vezes excessiva colagem ao próprio pensamento do artista como corolário paliativo da ineficácia crítica. Pensamos ser este estado de coisas resultantes da falta de debate aberto sobre estética, ética, política relacionada à poética. Debatem-se por vezes de modo mil vezes mais apaixonado questões de “política” institucional[1] ou de financiamento do que as fendas abertas de modo escancarado no tecido da mundividência comum por determinadas e raras obras.

Avança-se com uma hipótese; a da crítica constituir-se como uma exploração livre dos espaços abertos por um evento poético, de uma proposta, de uma exposição. Propõe-se que a crítica não sublinhe simplesmente o existente, que não tenha medo de desrespeitar o “artista”, colocando-se num lugar de experiência autónoma equivalente e outra, de reacção ao proposto, ao experimentado. A crítica constitui-se como uma forma ética poderosa de deambular pela vida em comum. Um artista também o fará no seu melhor, com outras formas e meios que não o da escrita. A crítica é mais uma forma literária, como outras. É de má literatura que se trata quando lemos maus textos críticos.

Pelo parágrafo anterior deduz-se a crítica que fazemos aqui ao estatuto profissional do crítico: a crítica ao invés de estritamente ancorada aos preceitos dominantes em ciências humanas deveria surgir da urgência, de um estado de revolta latente; ser ela própria poética. Este blogue nasce deste lugar e pretende simplesmente pela melhor qualidade possível de texto em forma e conteúdos dar corpo a esta crítica aventureira que desejámos perante a outra. Armados de palavras exactas para intervenções cirúrgicas ou de puro chumbo de caçadeira, por tudo o que vive entre estes opostos, é para se escrever a partir da actualidade de existir perante uma obra, não apenas como supostos “artistas”ou intelectuais, mas muito para além disso, como pessoas trespassadas pelo desejo do poder pensar em acto, experimentado em escrita. Por outras palavras e simplificando; o espírito do que se pretende é o da livre experimentação e do ensaio e simultaneamente da pluralidade de pontos de vista e estilos perante ao que vulgarmente e por conveniência designamos por “arte”. Pretendemos para além da informação básica e essencial existente em qualquer projecto deste tipo, tornar sensível ao entendimento o que julgamos ver dos espaços que se abrem por cada novo acto.


[1] Como se verificou recentemente na barafunda criada com as nomeações para a representação portuguesa para a Bienal de Veneza